POWAQQATSI

Titulo: Powaqqatsi
Direccion: Godfrey Reggio
Produccion: Francis Ford Copola, George Lucas, Godfrey Reggio
Guion: Godfrey Reggio, Ken Richards
Musica: Philip Glass
Editor: Iris Cahn, Miroslav Janek, Alton Walpole
Fotografia: Graham Berry, Leonidas Zourdoumis
Año: 1988


El eje de Powaqqatsi es visualizar esta entidad que consume la vida de unos para que otros tenga vida y por lo cual es necesario el esfuerzo físico, imprescindible para la supervivencia. La vida de estos hombres es la del trabajo manual para arrancar a la tierra los frutos de los que van a alimentarse. Hombres y mujeres, grandes y pequeños. Lo humano no escapa a este ciclo laboral. Un mundo primario, agrícola, ganadero y minero por y para la tierra, donde el individuo no es más que el espíritu de la comunidad. Reggio ensalza el trabajo físico, mostrando las labores artesanas, hoy arrinconadas ya sólo en las culturas emergentes del Tercer Mundo

Powaqqatsi es también un homenaje a la celebración, a los ritos que nos hacen humanos, la muerte incluida. La religión, el intercambio de bienes, la fiesta ponen color a este esfuerzo en todos los rincones del mundo. Powaqqatsi muestra la importancia de la fe, de la religiosidad en todas sus formas y en todos los rincones del planeta. Devotos frente al muro de las lamentaciones, fieles orando en cualquier continente…

En contraste, la vida moderna, la de los países del Primer mundo donde la tecnología en lugar de liberar aliena en mil imágenes sin sentido, en mil placeres vacíos, sin musicalidad ni armonía. En Powaqqatsi es sólo un capítulo quizás para no olvidar el mundo convulso narrado en Koyaanisqatsi de la primera parte.

Reggio demuestra nuevamente su maestría con la cámara. Si Koyaanisqatsi sorprendió fue por el uso acelerado de las imágenes. En cambio, Powaqqatsi muestra su riqueza en los primeros planos tomados con largos teleobjetivos que recortan a sus protagonistas casi como si estuvieran danzando en la escena. El dolor, la alegría, la celebración se enfatizan con el movimiento lenta de la cámara que arranca toda la expresividad de sus personajes. No hay rasgo en el rostro que se pueda escapar. Un parpadeo, el sudor emergiendo de los poros de la dermis o simplemente la mirada perdida en el más allá.

Es un documental, pero también es poesía alimentando nuestros ojos que quedarán seducidos desde el principio. Puede que se nos escape el hilo argumental sutil que se va sucediendo. Puede que la música minimalista de Philip Glass no nos emocione, pero al finalizar la película no habremos quedado insensibles. Tampoco podremos sentirnos defraudados pues en poco más de hora y media habremos viajado con imágenes magistrales por Brasil, Hong Kong, India, Egipto, Kenia, Nepal, Perú…
Posteriormente luego de un corte abrupto en el que aparece un tren en movimiento de forma muy rápida y con un notable cambio de musicalización, se presenta claramente su posición frente a la vida moderna, posmoderna y los perjuicios que trajo para la humanidad dicho cambio de paradigma, y tal como ha sucedido en muchas invasiones alrededor del mundo, está vez con el grave atenuante de ser un fenómeno de tipo global, la cultura fue devastada, arrollada, atropellada, en desarrollo que descuido y menosprecio el legado cultural de la misma humanidad, dejando a su paso miseria, hambre, y desgracia a los menos favorecidos, a aquellos que por diferentes circunstancias no encontraron rápidamente un espacio, en medio de dicho desenfreno desarrollista.

NAQOYQATSI

Título: Naqoyqatsi
Ficha técnica
Dirección: Godfrey Reggio Producción: Stephen Soderbergh, Godfrey Reggio et al Guión: Godfrey Reggio Música: Philip Glass Fotografía: Russell Lee Fine Datos y cifras
País(es): Estados Unidos Año: 2002 Género: documental
Duración: 89 minutos
Compañías
Productora: Miramax Films



El genial director Godfrey Reggio completa su trilogía inspirada en tres profecías de los indios hopi. En Naqoyqatsi, cuyas palabras significan Vida en guerra, nos propone, como en las dos películas anteriores, Koyaaniskatsi, de 1982 (Vida desequilibrada) y Powaqqatsi, de 1987 (Vida en transformación), una experiencia fílmica más allá de las palabras, en la cual la imagen y la música nos infiltran en Naqoyqatsi, un mundo en guerra. Un mundo en el cual la tecnología lo está alterando todo: los medios, el arte, los sentimientos, el deporte, la política, la medicina, la guerra, la ética, la naturaleza, la cultura y la misma cara del futuro humano. Por ello, las imágenes estimulantes de Naqoyqatsi se funden con la música hipnótica de Philip Glass que soporta el espectáculo visual con el que tiembla la pantalla.
Si Koyaanisqatsi era una mirada crítica y despiadada del modo de vida occidental y del papel de la tecnología para crear la paranoia de los ricos, Powaqqatsi afrontaba la transformación de los países del sur hundidos por la explotación de sus recursos naturales, pero sumidos en la homogeneización que amenaza en convertir el planeta en una pequeña aldea, aunque extremadamente peligrosa. En Koyaanisqatsi el desequilibrio se plasmó con la revolucionaria técnica de las imágenes hiperaceleradas de los coches recorriendo los suelos de Manhattan o las aglomeraciones vomitadas directamente por las escaleras mecánicas del metro. En Powaqqatsi, los primeros planos con teleobjetivo avanzando con lentitud sin apenas fondo, pero con una grandiosidad de impresión, aportaron una nueva forma de traducir la transformación vital en la pantalla. Naqoyqatsi es un obra de arte de la técnica de la transformación del píxel por parte de los ordenadores. La mayor parte de las imágenes proceden de otros documentos fílmicos de orígenes diversos (anuncios, documentales, etc.), pero que han sido retexturizados, remodelados, recoloreados, reanimados por obra y gracia de la tecnología digital que el film cuestiona. El ordenador hace el mundo a su imagen, indiscutible, sagrado, esclavizante. Los sentimientos humanos están encadenados a la ficción de una ciencia que la mayoría ni comprende. La guerra que narra el film va más allá de las bombas de los conflictos bélicos. La violencia es el aliento de la religión que, a su vez, instiga la inmoralidad de la perversa y arraigada doble moral. Una guerra no es sólo una secuencia de destrucción arquitectónica y paisajística. Una guerra es para destruir la cultura, la lengua, la vida. En la guerra todos perdemos parte de nuestra humanidad aunque no estemos directamente en el campo de batalla.

Naqoyqatsi no es una película para pasar un buen rato. Es una experiencia para derramar el exceso de edulcorante cerebral con el que nuestra sociedad nos adormece. Es una experiencia para salir del conformismo sin perder la identidad. Es una experiencia para amar más la Vida. Qatsi, en hopi significa vida y esta película, como sus hermanas, son un intento de renombrar las cosas de nuestra civilización, para que lo que nos parece normal lo veamos anormal, sinsentido, que es la realidad. No es normal mostrar imágenes de rehenes decapitados y no sentir escalofríos en el alma. No es normal que las bombas estallen en medio de la noche a vista de pájaro tal como lo ve el avión asesino. No es normal que la maldad domine a la bondad, pero nuestro mundo nos hipnotiza para que no nos rebelemos. Las imágenes de Reggio perforan el iris y diluyen parte de la atrofia cerebral que nos paraliza para ser vitales. La música de Glass y el virtuoso violoncelo de Yo-Yo Ma despierta a estas orejas acostumbradas a no oír para no tener que pensar en nuestra cómoda cotidianidad. Música e imágenes, no hay más, pero con un guión inexistente que, sin embargo, traza una sensacional visión, como el estilete de un plotter que a cada pasada parece que no dibuja nada, pero que al final de todas ellas deja una fotografía impactante. Naqoyqatsi atraviesa nuestro corazón, algo que necesitamos de vez en cuando para sentir la libertad, esta libertad que día a día tras el 11-S se va diluyendo como la vida vista a través de una ventana azotada por la lluvia fina pero persistente.
Naqoyqatsi está organizada en tres partes. El MOVIMIENTO UNO explora el mundo como si estuviera atado con un alambre mientras el lenguaje humano evoluciona hacia al código numérico. El MOVIMIENTO DOS se ceba en el reino de los deportes, de la competición y del juego, el circo de las pasiones de un mundo en paz. El MOVIMIENTO TRES es un viaje a velocidad galáctica por la ficción que la ciencia nos propone para el siglo XXI, un viaje violento, en guerra contra lo más puro de la esencia humana: la capacidad de amar y sentir.

POWER AND TERROR (CHOMSKY)

Director: John Junkerman
Título Original: Power and Terror: Noam Chomsky in Our Times
Año: 2002
País: Japón
Calidad: DVDRip
Idioma: Inglés
Subtítulos: SRT en Español
Tamaño del archivo: 696 MB
Duración: 74 min

Comenzando con el principio fundamental de que el ejercicio de la violencia contra la población civil es el terror, independientemente de si el autor es una red subterránea de los extremistas musulmanes o el estado más poderoso del mundo, Chomsky, en términos austera y sin compromisos, los retos a los Estados Unidos aplicarse a sí misma las normas morales que exige de los demás.


Chomsky repasa la historia de los crímenes de guerra y ofrece su análisis ya famosa del doble rasero y la hipocresía de los gobiernos occidentales, y el papel de los medios de comunicación y los intelectuales. Poder y Terror es una crítica sin concesiones del poder estadounidense. Con claridad y contundencia, coloca los actos de terrorismo en el contexto de la intervención exterior de Estados Unidos a lo largo de las décadas de posguerra - en Vietnam, América Central, Oriente Medio y otros lugares.


Poder y Terror también incluye reflexiones personales por parte de Chomsky sobre las fuentes de su optimismo, y la conexión, si la hay, entre su trabajo en la lingüística y su activismo político. Él reconoce la dedicada y paciente, a menudo no reconocida pero valiente participación de los ciudadanos de a pie con hacer del mundo un lugar más civilizado de lo que era hace décadas. Es tal vez este optimismo que sustenta su misión de toda la vida: llevar a los hechos al público en la fe que, armado con la información, la gente usar ese conocimiento para exigir la paz, la democracia y la justicia social.


La publicación de Poder y Terror coincide con el lanzamiento de la película Poder y Terror: Noam Chomsky en nuestro tiempo, un documental de setenta y dos minutos por John Junkerman.

PREGUNTAS:


-¿Podría considerarse a estados unidos de Norteamérica, como un enemigo potencial, o una carta importante a la hora e generarse una guerra en latino América?

-¿Cómo podríamos lograr que estados unidos deje de intervenir en asuntos internos de otros países, y que este naturalmente conlleve a mas terrorismo?

-¿Qué hacer para no tener que devolver un favor a estados unidos, como el caso de los turcos, que a cambio de un favor, fueron a la guerra por ellos?

KOYAANISQATSI

Título: Koyaanisqatsi
Dirección: Godfrey Reggio
Producción: Godfrey Reggio, Guión Ron Fricke, Michael Hoenig, Godfrey Reggio, Alton Walpole, Música: Philip Glass, Editor Ron Fricke, Alton Walpole
Fotografía: Ron Fricke
Datos y cifras
País(es): Estados Unidos
Año: 1983
Duración: 87 minutos
Idioma(s): Inglés

Compañías
Distribución: New Cinema, y Island Alive, (EE. UU.)

Koyaanisqatsi es una película montada sobre un flashback general que pretende abarcar la historia del hombre en su totalidad como la progresiva dominación de la tecnología de todos los aspectos de la vida humana, nacida, sin embargo, de la propia naturaleza. El flashback tiene un claro sentido mitológico y escatológico, por cuanto introduce el aspecto de la destrucción como elemento vertebrador de toda la historia. Uno de los grandes avances del hombre tecnológico: la nave espacial que es lanzada desde la tierra a explorar el universo es destruida. La destrucción forma parte de la propia esencia técnica del hombre, y por tanto, en el pecado tiene, por así decir, su penitencia. El hombre sufre constantemente el castigo divino por el pecado de hybris e insolencia con los dioses. La película articula ese mensaje general sobre la base de una construcción de secuencias en las que se insiste constantemente en la idea de que “así no se puede vivir”. Esta idea que enfoca la tecnología desde un lado, diríamos, pesimista, en el estilo ya inaugurado por Don Quijote o Rousseau, parte del principio de que este modo de vida es insostenible. La voz “Koyaanisqatsi” va a significar precisamente eso: vida en tumulto, modo de vida que clama por un cambio, etc. Sin embargo, cabría plantearse en qué sentido pueden vivir seis mil millones de hombres y mujeres si no fuera por este modo particular de organización tecnológica de la vida. Cabría preguntarse si es el modo tecnológico de producción y de vida, de distribución de la riqueza y del trabajo, el que determina la maldad intrínseca y la crisis que vivimos en la actualidad. Seguramente, si recordamos las tesis ya mantenidas por los marxistas soviéticos en 1931 y seguidas después por Bernal, y otros marxistas occidentales, el argumento cambiaría significativamente. Una denuncia pura y simple de la tecnología oculta los procesos sociales y políticos conforme a los cuales ella toma lugar. Y aunque en su origen haya que buscar la revolución industrial y el desarrollo del sistema burgués, es evidente que el modelo tecnológico no es malo en sí, si tenemos en cuenta que somos seis mil millones de personas. Esta es la cuestión. De modo que habría que señalar que no es la tecnología como tal, sino su modo de distribución y la forma que tienen los hombres de participar en su propiedad aquello que hace en realidad que ese mundo tecnológico sea realmente nefasto y justificar así la voz “koyaanisqatsi”. No cabe duda de que cualquier tipo de sociedad igualitaria, ecologista, y respetuosa con todos los valores que propone la película deberá ser socialista o no será, si quiere dar cuenta de la vida de los seis mil millones de personas. Es un grito parecido al que Rousseau, a las puertas de la revolución industrial, emitió en Dijon. El pesimismo ideológico ante una realidad que no entiende. Pero concebir el mundo como el fruto de un proceso impersonal en el que las relaciones sociales son consecuencia de la técnica y no al revés, es no solamente equivocar el enfoque, sino partir además del supuesto de que es irreversible. Y aunque aceptemos la irreversibilidad del proceso de desarrollo de la industria y de los sistemas tecnológicos, eso no significa que podamos suponer que no existe para los hombres una alternativa social que nos permita convivir con las máquinas, y no solamente sufrirlas.

Claramente, el documental plantea la ciudad moderna como un sistema tecnológico del que los hombres son simplemente apéndices, que acuden a sus terminales para comer, divertirse, dormir, entretenerse, aprender, sufrir, curarse, morir, moverse, etc. Cada acto de participación en el sistema tecnológico, supone una claudicación, un refuerzo del sistema y un sometimiento del hombre, pero también, un aumento objetivo del entramado técnico. Ya no se trata solamente del obrero, como afirmaba Marx, no es el obrero el que es un apéndice de la máquina, sino que todo hombre, por serlo, o es un apéndice de las máquinas, o simplemente, no es hombre. Si incluimos aquí entre las máquinas, al sistema judicial, también los animales que el proyecto simio quiere incorporar a los derechos y deberes en mundo podrán tener su papel productivo particular.

Blueberry La Experiencia Secreta

Dirección: Jan Kounen.
País: Francia.
Año: 2004.
Duración: 120 min.
Género: Western, aventuras.
Interpretación: Vincent Cassel (Mike S. Blueberry), Juliette Lewis (Maria), Michael Madsen (Wallace Sebastian Blount), Eddie Izzard (Prosit), Colm Meaney (Jimmy McClure), Temuera Morrison (Runi), Nichole Hiltz (Lola), Djimon Hounsou (Woodhead), Tchéky Karyo (El Tío), Hugh O'Conor (Blueberry joven), Ernest Borgnine (Rolling Star).
Guión: Jan Kounen, Matt Alexander y Gérard Brach; basado en los cómics de Jean 'Moebius' Giraud y Jean-Michel Charlier.
Producción: Thomas Langmann y Ariel Zeitoun.
Música: François Roy y Jean-Jacques Hertz.
Fotografía: Tetsuo Nagata.
Montaje: Benedicte Brunet, Joel Jacovella y Jennifer Auge.
Diseño de producción: Michel Barthélémy.
Vestuario: Chattoune.
Estreno en Francia: 11 Febrero 2004.
Estreno en España: 11 Junio 2004.
Blueberry la experiencia secreta inspirada en el comic Blueberry.
Mike un joven que llevaron a casa de un tio por problemas con sus padres, llega a un pueblo cercano a America en años en que las sagradas tierras amerindias son un lugar sagrado donde grupos de indios protegen para evitar que entren en territorios sagrados. El joven conoce a una joven piruja al llegar al pueblo, mike escapa de su tio y visita a la joven donde se entregan al amor, la joven le regala una cruz que le habia ragalado su madre, al momento en que estaban jugando llega un pistolero y le pide al joven que se retire pero el no quiere retirarse y decide quedarse para proteger a la joven, wally el deja sus pistolas y mike coge una de ellas, wally toma a la joven y le pone la pistola en la cabeza y le dice que se retire que es muy joven para morir en ese momento sucede un disparo, la lampara cae y se forma un incendio el joven logra escapar mal herido en su caballo y se alejan hacia el desierto.

El joven estaba mal herido y es encontrado por un grupo de indios nativos americanos donde lo llevan a vivir con ellos, le enseñan sus creencias, es parte de rituales donde le practica muchas cosas para liberarse de sus problemas o mirar mas alla de lo material, despues de unos años vuelve al pueblo donde se convierte en jefe de la estacion de guardias, las dias marchan bien hasta que mike viaja a visitar alos indios, el gobernante del pueblo estan interesados en encontrar un tesoro escondido en las tierras sagradas tienen un plan para buscarlo, tiene una hermosa hija donde mike se enamora.

Al pueblo llega despues de muchos años y que la gente lo concideraba que estaba muerto, aparece wally con sus compañeros en busqueda del poder sagrado, despues de todo son colocados en prison donde mike visita a los prisioneros y encuentra en una celda a wally donde en un cominezo no reconoce hasta que el dice su nombre, en ese momento mike recuerda aquel momento que vivio con la joven, el todos estos años queria cobrar venganza corre hasta su casa y saca una pistola que habia guardado de aquel instante en el que quiso defender a la joven pero todo esto es una trampa y cuando llega a la comisaria lo estan esperando y golpean, wally le comenta todo lo que sucedio aquel noche y dice que le permitio vivir y le disparo en el hombro en ese momento tambien habia disparado mike que era el que le dio el disparo al la joven mike esta confuso y le pegan un golpe en la cabeza y le prenden fuego a la comisaria, escapan hacia las tierras sagradas hantes de esto visitan al gobernador el que tenia los mapas al cual lo asesinan adelante de su hija.

Mike se salvo por un compañero que lo saco de las llamas el vuelve con los indios en busqueda de la verdad. Mientras en otro lugar se estaba desarrollando una guerra entre los indios y los blancos que querian entrar a buscar el tesoro. Tambien lo joven que estaba buscando a los que entraron en su casa se alojan en la noche para descansar y son atracados por wally y sus amigos dejan a todos muertos pero ella logra sobrevivir y es encontrada por mike y su amigo el indio que la llevan a la aldea de los indios para ayudarla.

Despues de que encontraron las montañas sagradas el grupo de wally se acaba por la ambicion de uno de ellos que esacapa en cabballo con el mapa, wally lo sigue a pie. Mike y la joven buscan el lugar sagrado el cual se encontraba detras de una cortina de agua, se encuentran mike y wally y toman una porcion que se encontraba dentro, ellos dos entran en un trance donde recuredan todo lo vivido en segundos entrando en el mundo de los muertos. El despierta se encuentra en paz con lo espiritual y con sigo mismo.

LUCES DE LA CIUDAD

Ficha técnica
Dirección: Charles Chaplin Producción: Charlie Chaplin (no acreditado)
Guión: Charlie Chaplin
Reparto: Charlie Chaplin, Virginia Cherrill, Florence Lee, Harry Myers Datos y cifras
País(es): Estados Unidos Año: 1931 Género: Comedia
Duración: 87 minutos
Compañías
Distribución: United Artists
Presupuesto: $1,500,000 (est.)

Una florista ciega toma por un hombre solvente al vagabundo que suele interpretar Charles Chaplin Éste, tiernamente enamorado, intenta conseguir a toda costa el dinero necesario para una operación que puede devolverle la vista. Para ello se presentará voluntario a un combate de boxeo, que ofrece como premio una sustanciosa cantidad de dinero.

"Comedia romántica en pantomima". Así definen sus títulos de crédito esta obra maestra del cine mudo. Estrenada en 1931, cuando el cine sonoro se había impuesto comercialmente, lo cierto es que Charles Chaplin empezó el rodaje en 1928, antes del estreno de El cantor de jazz, el primer film hablado. La producción se retrasó principalmente por las consecuencias económicas del crack del 29, pero también porque Chaplin no estaba seguro de que la actriz principal, la desconocida Virginia Cherrill, fuera la más indicada para interpretar a la florista. Descontento por la forma en que ofrecía las flores, tras repetir la toma centenares de veces, la despidió y la sustituyó por otra intérprete. Finalmente volvió a contratarla, a pesar de que la actriz aprovechó la coyuntura para pedir más dinero.

Además, Chaplin tardó en resolver el problema principal que planteaba la trama: ¿cómo podría entender el público de modo sencillo que la florista confundiera al vagabundo con un hombre rico sin utilizar diálogos? La solución es un claro síntoma del ilimitado ingenio del cineasta: el sonido de un coche al cerrarse. Cuando lo escucha, la invidente distingue a sus posibles clientes, pues sólo los que se pueden permitir pequeños lujos tenían coche en aquella época. Por un cúmulo de casualidades, la primera vez que se conocen, Chaplin sale de un vehículo.

Al igual que en otros de los grandes trabajos de Chaplin, la grandeza de este título reside en el sello personal del director: su inigualable mezcla entre drama y comedia. La historia de amor resulta especialmente emotiva y describe a las clases desfavorecidas de la época. Al mismo tiempo, algunas subtramas son hilarantes; especialmente los encuentros del vagabundo con un millonario borracho, que le toma como su mejor amigo e incluso se lo lleva a pernoctar a su mansion, pero que cuando se le pasan los efectos del alcohol no se acuerda de él. Para guardar el delicado equilibrio entre risas y lágrimas, Chaplin tuvo que renunciar a siete minutos iniciales de comedia desatada absolutamente geniales, pero que dificultaban enormemente que después el público pudiera conmoverse.

Curiosamente, la banda sonora, compuesta como es habitual por el propio Chaplin, calca por completo los famosos acordes de "La violetera", de los maestros Padilla y Montesinos. El cineasta tuvo que pagar a los autores españoles una gran cantidad de dinero tras un juicio por plagio.

UNA VERDAD INCOMODA

Ficha técnica
Dirección: Davis Guggenheim Producción: Lawrence Bender, Scott Burns, Laurie David Música: Michael Brook Reparto: Al Gore Datos y cifras
País(es): Estados Unidos Año: 2006 Género: Documental Duración: 96 minutos
Compañías
Distribución: Paramount Classics

Es una crónica de la vida personal y pública, de Al Gore, un exposición de las razones que justifican su implicación en la lucha por la concienciación de la gente y la concreción de medidas para contener el cambio climático. Este libro está basado en el intenso trabajo de recopilación de datos y de síntesis de conclusiones que Al Gore ha realizado en múltiples conferencias a lo largo de los últimos años.
Desde las nieves del Kilimanjaro de las que casi no queda nada, por los valles glaciares vacíos, entre los restos destrozados de pueblos y ciudades tras el paso de los huracanes, cada vez más inestable y delgado hielo de los polos, en medio de inundaciones y sequías que causan sufrimiento y muerte, junto a lagos que han desaparecido del mapa, ante bosques muertos, talados o quemados, este libro de Al Gore hace algo más que presentarnos una situación que, de seguir como hasta ahora, va a cambiar radicalmente nuestra vida en este planeta: nos insta a que dejemos de pensar en otras cosas y a que nos centremos en lo importante… el cuidado de nuestra casa.
La verdad que se expone es la dramática situación que ya estamos atravesando a escala global a causa del calentamiento global y el escaso margen de maniobra que tenemos por delante si queremos atenuar los daños ambientales y las tragedias humanas que se avecinan. Tenemos por delante unos pocos años más para actuar y modificar la tendencia creciente en las emisiones de gases que ocasionan el calentamiento global y lograr mantener las temperaturas globales dentro de límites razonables.
La evidencia científica es suficiente y contundente, vamos a una crisis global sin precedentes, las soluciones son conocidas, debemos reemplazar de manera urgente los combustibles fósiles por energías limpias y dejar de destruir los bosques en todo el planeta. Sin embargo, la inmensa mayoría de la dirigencia política y de las principales corporaciones de la energía continúan haciéndose los distraídos. La verdad es incómoda para una sociedad que es altamente dependiente del petróleo, es incómoda para muchos gobiernos fuertemente financiados por compañías petroleras. ¿Cuántos son los dirigentes políticos o funcionarios capaces de abandonar las palabras y emprender una acción efectiva contra el cambio climático? La verdad es muy incómoda.

TIEMPOS MODERNOS

Título: Tiempos modernos
Ficha técnica
Dirección: Charles Chaplin Producción Charles Chaplin - Regent (United Artists) Guión: Charles Chaplin Música Charles Chaplin
Fotografía: Rollie Totheroh, Ira Morgan Reparto Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Chester Conklin, Lloyd Ingraham Datos y cifras
País(es): Estados Unidos Año 1936 Género Comedia/Romance Duración 87 minutos
Compañías: Productoras United Artists, Ficha en IMDb

Charlotte trabaja en una fábrica apretando tornillos en una cinta sin fin. Un día tiene un ataque nervioso producto del estrés de su trabajo, comienza a apretar narices en vez de tornillos y termina creando el caos antes de que puedan reducirle (y echarle a la calle, claro). Una vez recuperado, es encarcelado acusado injustamente de encabezar unos tumultos callejeros. Tras su estancia en prisión, se encuentra con que la vida en la calle es bastante difícil. Antes recibe una carta especial en cuestiones comunitariamente laborales (trabajos comunitarios), pero después de unos empleos fallidos(debido a su torpeza),intenta que lo vuelvan a encerrar echándose la culpa de un robo de un trozo de pan cometido por una huérfana que tenía mucha hambre, ambos se conocen en una patrulla de policía, y luego se escapan arriesgadamente pero con éxito, y desde entonces Los dos acaban buscándose la vida juntos, con el sueño de tener una bonita casa. Primero el vagabundo empieza a trabajar como empleado nocturno(sustituto) en un centro comercial, pero es despedido por quedarse dormido en un montón de ropa. Luego, el vagabundo vuelve a trabajar en la fábrica como ayudante del mecánico. Pero la fábrica cierra a causa de una huelga y de nuevo el protagonista es detenido acusado injustamente de haber atacado sin querer y por torpeza a un policía durante los disturbios(al cual le tiró un ladrillo pisando una tabla). Al salir de la cárcel, se encuentra con que la huérfana ha encontrado trabajo en un café en el que los camareros cantan y le promete buscarle trabajo también a él. El vagabundo (Charlot) es un camarero malísimo pero, al mismo tiempo, divierte mucho a los clientes cuando le llega la hora de cantar, así que parece que han encontrado un empleo estable. Pero llegan los encargados del orfanato e intentan llevarse a la chica tras ser buscada por vagancia. Los dos consiguen escapar. En la secuencia final, ambos caminan por un camino desolado. La chica comienza a llorar, pero el vagabundo la anima a no perder la esperanza y la sonrisa. Se alejan juntos hacia el horizonte, buscando su buen futuro que tanto sueñan, sin rendirse, tomados de la mano como en todas las anteriores películas de Chaplin solo que esta vez acompañado.
La ecología social podría hablar de un Chaplin inadaptado a la vida urbana, o que no es capaz de integrarse a un gremio laboral, pues es su torpeza y mala suerte lo que le impide mantener sus trabajos, ni tampoco tiene el tiempo de adquirir experiencias en alguno de ellos que le permita especializarse. Por otro lado, la perspectiva del urbanismo como forma de vida se refleja en las escasas relaciones, antes mencionadas, que mantienen los protagonistas de la película, y explica la fortaleza de la unión que ambos establecen; también explicaría la reacción del ex-compañero de Chaplin al encontrarse de noche en la multitienda.

"Tiempos Modernos" descarga fuertes críticas sociales con bastante ironía, lo que la ha hecho reconocida hasta hoy. En ella se reflejan las condiciones laborales de sus tiempos, las divisiones sociales más impactantes, los sueños y frustraciones de los más vulnerables, una descripción sórdida de la expansión de la sociedad industrial, del capitalismo y de las ciudades. Y lo hace realzando el papel que interpretan los oprimidos, señalando sus convicciones y las ganas que ponen en verlas cumplidas, aun cuando esas convicciones no tengan mayor alcance ni mayor profundidad que el prodigarse de una familia.


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WALL E

Director
Andrew Stanton
Productor
Jim Morris
Duración
01:38:00
Estreno
miércoles 6 agosto 2008
Género
Animación
País
EE.UU.,Reino Unido
Distribuidora
Buena Vista Internacional

El guión y la dirección de esta película están a cargo de nada más ni nada menos que por Andrew Stanton que ha participado en importantes películas de animación como Toy Story I y II (1995, 1999) en el guión, al igual que Monsters, Inc y en la dirección de Encontrando a Nemo con la cual obtuvo el premio de la Academia como Mejor Película Animada del año 2004. Con la Pixar, Walt Disney Pictures encargada de su lanzamiento y Stanton la película se asegura de tener la mejor calidad en efectos especiales, el sello, prestigio y buen olfato a la hora de escoger las producciones por parte de Disney y el poder contar con un creador de historias novedosas, originales casi como piezas únicas como así lo ha demostrado este director.
Cada vez más el género de la animación se está convirtiendo en un plataforma para tocar temas sensibles para la humanidad y así lo hace esta nueva cinta que no solo continua esa linea como lo han hecho otras películas; basta tan solo con recordar algunas producciones del año pasado y de este mismo año como Los Simpson con su crítica hacia el cuidado del medio ambiente, Horton que nos hace reflexionar acerca de nuestro trato a la naturaleza y la crueldad humana y Bee Movie con el que se satiriza el comportamiento humano. La diferencia con las anteriores mencionadas, es que Wall.E no solo siguió esta línea dejando un mensaje claro y contundente en medio de la historia, sino que convirtió este mensaje en una denuncia social seria acerca de la tecnología y lo autómatas que nos estamos volviendo a causa de ella.
Esta denuncia viniendo de la Pixar, creadores a diario de alta tecnología en su campo, cobra mucha más importancia, validez, se acepta, se asimila con mucha más atención y le da resonancia al tema. Es una fuerte crítica a la sociedad que cada día olvida su entorno, cada día es más insensible, más egoísta y total consumista, que la vuelve dependiente de todo aquello superficial, la enbrutece, la vuelve perezosa y la hace olvidar su papel importante en la tierra. Wall.E es una película visual, el 85% de esta historia se cuenta a través de imágenes claras que no necesitan ningún tipo de explicación y a través del lenguaje “corporal” entre humanos y máquinas, con el cual se hace también un llamado a recuperar nuestras relaciones, a conservar, cultivar, rescatar nuestras amistades, además de la invitación a dejar de ver tan solo lo que está a milímetros de nuestro alcance y alzar la mirada para echar un vistazo a nuestro alrededor y así descubrir el amor, una fórmula infalible no solo para el cine, sino en la realidad, que vivifica al ser humano y lo vuelve sensible frente a todo.
Definitivamente la historia de esta cinta se hace tan
importante, que su excelente animación y claro realismo; a la que nos tienen acostumbrados, se hace casi imperceptible. Wall.E no es una cinta de animación más, ni siquiera se queda en el mismo nivel de sus anteriores producciones incluída la fascinante Ratatouille, es una pelicula muy superior que impone una nueva forma de visionar la animación. Como les decía, la Pixar deja de lado (pero sin descuidarlo en lo absoluto) el hecho de resaltar de principio a fin, lo que ya se sabe que hacen a la perfección (animación, efectos); y trabajaron muy seriamente en la historia, en la música que es esencia de esta cinta. La música, es otra de las cosas inevitables de ignorar, es una parte indivisible de este film y que entre otras cosas, evoca canciones de la película Hello, Dolly un famoso musical del año 1969 estelarizado por los ganadores al Oscar Bárbara Streisand y Walter Mattau, además de crear una bella canción escrita e interpretada por el cantante inglés de rock and roll de los años setenta y ochenta, Peter Gabriel llamada “Down to Earth” que verán en los créditos finales y que recomiendo escuchar con atención porque complenta el mensaje de esta cinta.
Sin duda, el film tiene cierto toque nostálgico al pasado que se yuxtapone a la visión futurista de esta aventura. Para evocar este pasado, se ayuda visualmente de diversos objetos de los años 60 y 80 que aparte de los mencionados, están el famoso cubo rubik o el viejo atari 2600 con el juego Pong que fue lanzado en 1977 y que a pesar de haber transcurrido muchos años aún funcionan. Tecnologías antigüas que mezclan con otras mucho mas nuevas como por ejemplo, el guiño que le hacen a Apple Computers en una de sus escenas.
El actor Ben Burtt es quien le presta la voz a este robot y hace además la de otros robots, de la gran cantidad que aparece en esta cinta. Burtt también le dio vida al recordado robot R2-D2 en La Guerra de las Galaxias y Elissa Knight (Eva/Eve), quien también colaboró en la película animada Cars (2006) entre otros.
Wall.E es la película más madura y trabajada de la Pixar. Posee muchas novedades, es tremendamente ingeniosa, inteligente, muy bien manejada y auténtica que a pesar de utilizar referencias del pasado que no todo el público (niños/adultos) será capaz de recordar e identificar con facilidad, es una película atemporal, creada“verdaderamente” para los espectadores de cualquier edad que no hay que perderse.
Para quienes no se la han visto, esten atentos al inicio pues esta es la primera vez que la Pixar no abre con su logo tradicional.

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EL DIA DEL JUICIO FINAL

TITULO ORIGINAL: 2012 Doomsday
GENERO: Ciencia Ficción
PAIS: Estados Unidos
DURACION: 85 Minutos
AÑO: 2008
DIRECTOR: Nick Everhart
GUION: Nick Everhart
INTERPRETES: Ami Dolenz, Cliff De Young, Dale Midkiff, Danae Nason, Joshua Lee y Matthew Bolton
PRODUCTOR: David Michael Latt, David Rimawi y Paul Bales
MUSICA: Ralph Rieckermann
FOTOGRAFÍA: Mark Atkins
MONTAJE: Nick Everhart y Kate Noonan


Una película de bajo presupuesto que nos muestra una gran realidad sobre las profecías, cuatro extraños se embarcan en una travesía de fe hacia un antiguo templo en el corazón de México, para los mayas esta fecha será el ultimo día de una nueva era, para los científicos de la nasa es un cambio polar cataclismico.
Desde mi punto de vista creo que es una película patética y absurda que une profecías totalmente diferentes, pienso también que sus efectos son pésimos, es por eso que no se logra mirar, una gran destrucción del planeta, como espectador no sentí absolutamente nada, creo que la calidad de actores es pésima, no muestran de una manera clara lo que quieren demostrar, pienso también que es una historia malísima a la cual se le pudieron adaptar cosas muy interesantes.
No se logra mirar de una manera clara la unión de estos cuatro patéticos actores, que por causas del destino, destino que no es muy creíble, logran unirse y sobrevivir a esta catástrofe mundial.
Me parece un insulto mezclar de esta manera las profecías de los mayas, con la religión católica, el director y el guionista, seguramente estuvieron en una gran traba.
El argumento de semejante producto es que nos encontramos en 2012, más exactamente el 21 de diciembre, cuando cuatro individuos, por deseos divinos, toman rumbo a una pirámide maya en México (no, no es Las Ruinasotra vez). El fin del mundo se acerca, el Día del Juicio Final, a pesar de que para la comunidad científica no se trata nada más (ejem) que de un cambio climático colosal. Este es el argumento, ¿a que mola? Pues molar, mola poco, sobre todo porque no nos enteramos de nada en toda la película y, a pesar del típico inicio de film barato de sobremesa, que puede enganchar, el final es tan odioso y lamentable que te arrepientes de gastar tu tiempo con semejante discurso. Resulta que el ambicioso e incomprensible argumento presente sentar unas bases entre lo que es correcto y lo que no, en este caso creer en Dios. Los salvadores del mundo son aquellos fieles a Dios, los que traerán consigo nueva vida y detendrán el cataclismo. El resto de seres, están condenados a su destrucción.

En definitiva, que nos encontramos ante un lamentable panfleto eclesiástico de saldo que parece subvencionado por algún grupo de fanáticos,religiosos, primeros planos a tutiplén para disimular las carencias presupuestarias (cuesta ver donde y como se desarrolla la película) y, en suma, un bodrio aburrido, absurdo, innecesario, engañoso e insultante.
http://www.youtube.com/watch?v=DH7p3F9kHeM
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SELVA ESMERALDA

SELVA ESMERALDA


















Reparto
Patricia Prisco, Isabel Bicudo, Powers Boothe,Mario Borges, Chico Terto, Claudio Moreno, Eduardo Conde, Silvana De Faria, Joao Mauricio Carvalho, Arthur Muhlenberg
Director
John Boorman
Duración
01:48:00
Estreno
martes 1 enero 1985
Género
Aventuras


Excelente film del director Jhon Boorman, que nos muestra una gran realidad y a la ves una gran historia basada en hechos reales, en un principio podemos ver claramente una gran problemática debido a las grandes y extensas construcciones de la civilización humana, con el fin de enriquecerse, pero nunca pensar en las grandes culturas o civilizaciones que avitan los lugares mas inhóspitos de nuestra madre selva.
La película invita a una reflexión global, a utilizar conceptos humanos que no estén desligados del entorno en el que la propia especie surgió, y por otro a concebir la naturaleza como algo profundamente humano, y que por tanto exige que nuestra forma de acercarnos a ella tenga como punto de partida los sentimientos y emociones de que nuestra propia naturaleza nos dotó, y lo hace sin maniqueísmos ni discursos fáciles, sino utilizando sobrecogedoras imágenes de lo que, si las cosas siguen en la misma línea, no dentro de mucho tiempo será un recuerdo.
Además de que los actores desempeñan su oficio correctamente, de lo impresionante de las localizaciones naturales donde se rodó la película, y de que las escenas de acción y aventuras son efectivas y no desentonan con la profundidad del mensaje, es éste el verdadero y más importante valor de la cinta. La selva está filmada en toda su grandeza, su hermosura, su realidad implacable, reflejada con un aire misterioso, casi místico, de templo ancestral en el que los humanos se limitan a ser feligreses de paso. De la película se desprenden varios mensajes interpuestos. En primer lugar, nos ofrece un catálogo interesante de lo que es la comunión de la vida del hombre adaptada a los designios de la naturaleza en contraposición al “avance” que supone moldear la naturaleza a los caprichos del hombre, con su devastación, su deforestación, sus horribles construcciones de hormigón, artificiosas y postizas en un entorno grandioso y virgen, y sus nulos escrúpulos en función del beneficio económico, aún a costa del sacrificio de tesoros naturales imprescindibles. En este sentido, la imagen de unos indígenas boquiabiertos al descubrir que el límite de la selva cada día se reduce más y que las amplias zonas taladas se acercan peligrosamente hacia sus chozas, es muy ilustrativa. De este modo formula conjuntamente una alerta en tono ecologista junto a una propuesta de vida diferente a la actual, no ya la regresión al neolítico, sino a un aprovechamiento de las riquezas naturales que al mismo tiempo las preserve y no las esquilme o arrase. Pero además, nos plantea un mensaje étnico, la aceptación de un niño occidental rubio y con ojos azules en una tribu de seres de piel morena, ojos oscuros y de cultura y desarrollo difícilmente más opuestos, cosa difícil de pensar en el caso contrario, como bien ilustra la película en las escenas en las que las mujeres de la tribu son secuestradas para su uso como esclavas sexuales.

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BARAKA

BARAKA


















Director:: Ron Fricke,
El productor: Mark Magidson.
Año :1992

En este gran documental se pueden llegar a percibir grandes sensaciones, tanto de alegría como felicidad o desconsuelo. En este gran trabajo también nos podemos dar cuenta de las grandes maravillas que el planeta y el hombre a creado, pero de igual manera también podemos llegar a percibir el gran daño que el hombre le a causado al planeta y así mismo. Baraka logra que yo como persona me de cuenta de la importancia del planeta o de la diversidad de culturas que de alguna u otra manera logran un gran equilibrio entre el hombre y el planeta, también se puede mirar la influencia que tiene el hombre moderno respecto a la vida y al planeta.
Nos muestra la naturaleza en su más espectacular expresión. Rincones inapelables de maravillosos que se presentan: Selvas tropicales vírgenes, deshielos
de las nieves del himalaya tibetano, cisternas naturales colosales de volcanes latentes, desiertos tan abstractos como extensos y aformes...pero también nos muestra algo de los que viven en estos y otros marcos, y habla también de los que vivieron.
Documental filmado en 24 países que narra, en términos eminentemente visuales, aurales y musicales, la evolución de la Tierra y de la Humanidad, al mismo tiempo que señala las formas en que el ser humano se ha relacionado con su medio ambiente es un documental de vanguardia lanzado a las pantallas en 1992. Este film exhibe una sucesión de imágenes y sonidos, sin mediación de la palabra humana.
Las imágenes son de tal arrebatadora belleza que uno entra casi durante hora y media en trance dejándose llevar por la sucesión de éstas hipnotizado por una perfectamente integrada banda sonora

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EL SINDROME DE CHINA

EL SINDROME DE CHINA



















TÍTULO ORIGINAL The China Syndrome
AÑO 1978

DURACIÓN 123 min.

PAÍS

DIRECTOR James Bridges
GUIÓN Mike Gray, T.S. Cook, James Bridges
MÚSICA Varios
FOTOGRAFÍA James Crabe
REPARTO Michael Douglas , Jane Fonda, Jack Lemmon, Scott Brady, James Hampton, Peter Donat, Wilford Brimley
PRODUCTORA Columbia Pictures
GÉNERO Y CRÍTICA



El síndrome de china tan solo hoy es una película, pero nos abre ese gran interrogante del podría pasar realmente? es Drama de tensión de tintes sociales y ecológicos, que sobrevuela los riesgos que existen en las centrales nucleares. Intenso y ambicioso drama de gran actualidad.
En innegable manera la película es un thriller de suspenso, donde el malo no es un criminal al modo, sino una corporación interesada más en los resultados de los balances anuales que en la seguridad de su industria; irradia la impresión antinuclear que ya comenzaba a aflorar en la sociedad norteamericana en esa época, así como la profunda susceptibilidad hacia las empresas que tienen a su cargo la operación de las centrales. Teniendo en cuenta las historias posteriormente conocidas de como la compañía dueña de la central intentó manipular la verdad de los hechos sobre el incidente the Three Mile Island, es un buen espontáneo del contexto.
Diversas veces las predicciones de tecnologías que parecen ser una apuesta segura se transforman en un sueño fallido. Uno los casos más interesantes es la energía nuclear.
La película trata de uno de las argumentos de seguridad más temidas por los diseñados de centrales nucleares. El llamado públicamente como Síndrome de China ocurre cuando el núcleo de un reactor nuclear se funde. Esto puede acontecer cuando ocurre una pérdida de material refrigerante, y el sistema de emergencia de enfriado falla, lo que acarrea un calentamiento sin control del sistema. No obstante las barras de enfriamiento bajen para detener el proceso de fisión en una emergencia, el decaimiento radiactivo de la reacción extenderá generando calor, si no hay refrigerante, produciendo que el reactor se funda.
Aunque solo existen suposiciones sobre lo que sucedería entonces, el peor contexto es que el combustible forme una masa fundida de materia radiactivo a alta temperatura, que penetre el recipiente de contención y tome contacto con el agua que se encuentra en la tierra. La mixtura de agua con material radiactivo podría crear una explosión que arrojaría el material radiactivo sobre una amplia zona circundante a la central. El mejor de los asuntos sería que el edificio de contención resistiera la temperatura y amparara el material radiactivo en su interior.
Suposición que nos abre el pensamiento y nos lleva a especular de cómo se da la seguridad y que tan preparados estamos para afrontar algunas emergencias de este tipo y claro si realmente nuestra ecología se lograra armar de paciencia con lo que día a día le hacemos.

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